Autorretrato de Henri Roger, 1895. Recogido del Encuentro de Arles 2008
Reciclaje
Hace unos días registraba por acá la lista que Foreign Policy sugiere de 'pensadores globales.' La revista ahora forma su club de lectura. Le ha preguntado a cada uno de ellos qué libros recomendarían. El listado es interesante. Fareed Zakaria sugiere la biografía de uno de los personajes centrales en la polémica de la recesión económica: Keynes: The Return of the Master
Libros de los ‘pensadores globales’
Arthur C. Danto escribió un ensayo memorable sobre la “modernidad mesoamericana” en la obra de Brian Nissen:
Brian Nissen es un hombre de lo más cosmopolita, que se siente a sus anchas en varias de las ciudades más importantes de Occidente, como Londres, Nueva York, París, México y Barcelona, entre otras. Es, además, una persona cultivada, amante de la literatura y de gran vena artística, que cuenta entre sus amigos a poetas, políticos, científicos y filósofos. Como creador ha establecido diálogos con los movimientos modernistas de mayor envergadura y ha encontrado inspiración estilística en todo aquello que pudiera haber congeniado con esa visión inconfundiblemente suya. Pero la cultura que lo define como artista es en primer lugar la mesoamericana. (…) Lo que descubrió en México podría identificarse como una estética del significado que contrasta con la estética de la forma predominante en una parte sustancial del discurso del arte moderno. “Creado por gente que no poseía el concepto de ‘arte’ como lo entendemos nosotros”, escribe Nissen, “sus artefactos y esculturas […] jugaron un rol integral en casi todos los aspectos de su vida diaria así como en la medicina, astronomía, agricultura, religión, el trabajo cotidiano, etcétera”. El concepto mesoamericano de obra de arte era el de un objeto “investido de poderes especiales”. Estos poderes le otorgaban un papel en la vida diaria; así, un cuchillo, un plato o una jarra, por ejemplo, operaban en dos planos interpenetrados: el del uso cotidiano y el de la acción ritual. “Era éste un arte que iba más allá de la elegancia formal o las ideas de la belleza, para servir como una especie de texto”. El arte podría ser un texto, en el sentido que Nissen le confiere, sólo si la vida misma fuera un texto, sólo si la vida en sí fuera algo sagrado. Los seres humanos, plantas, animales, cuerpos celestes, dioses y diosas estaban atrapados en una Gesamtkunsterwerk donde todo implicaba roles, imperativos y obligaciones de los cuales dependía todo lo demás. El arte en Europa, especialmente a partir de la invención de la estética en el siglo XVIII, se había apartado de la vida colocándose en marcos o pedestales para su contemplación y disfrute así como para el ejercicio del buen gusto y el juicio. Existía para enriquecer el ocio y para quienes tenían el tiempo de cultivar su sensibilidad. La institución del museo surge plenamente a principios del siglo XIX, como un espacio desligado de las exigencias de la vida cotidiana, donde el arte no tenía otra tarea que la de ejercer su esencia. Ahí se aprendía a apreciarlo entendiendo su forma, con frecuencia analizada en términos casi geométricos, o situándolo en sus contextos históricos de los cuales dependía la eficacia de su significado. En el siglo XVIII -el siglo de la estética- algo de esto llegó a derramarse sobre la vida. Pero ésta siguió siendo la vida del buen gusto y el juicio reflejados en los modales, el decorado de interiores, los trajes, el coleccionismo y la recreación entre quienes podían darse el lujo de participar en ella.
Sobre Brian Nissen:
– Brian Nissen en la mira.
– Los placeres de pintar.
– Brian Nissen: evidencia de un acto poético
Arthur C. Danto sobre Brian Nissen
Octavio Paz
A la memoria de Jorge Cuesta
I
Abre simas en todo lo creado,
abre el tiempo la entraña de lo vivo,
y en la hondura del pulso fugitivo
se precipita el hombre desangrado.
¡Vértigo del minuto consumado!
En el abismo de mi ser nativo,
en mi nada primera, me desvivo:
yo mismo frente a mí, ya devorado.
Pierde el alma su sal, su levadura,
en concéntricos ecos sumergida,
en sus cenizas anegada, oscura.
Mana el tiempo su ejército impasible,
nada sostiene ya, ni mi caída,
transcurre solo, quieto, inextinguible.
II
Prófugo de mi ser, que me despuebla
la antigua certidumbre de mí mismo,
busco mi sal, mi nombre, mi bautismo,
las aguas que lavaron mi tiniebla.
Me dejan tacto y ojos sólo niebla,
niebla de mí, mentira y espejismo:
¿qué soy, sino la sima en que me abismo,
y qué, si no el no ser, lo que me puebla?
El espejo que soy me deshabita:
un caer en mí mismo inacabable
al horror del no ser me precipita.
Y nada queda sino el goce impío
de la razón cayendo en la inefable
y helada intimidad de su vacío.
La caída
El león falleció ¡triste desgracia!
y van, con la más pura democracia,
a nombrar nuevo rey los animales.
Las propagandas hubo electorales,
prometieron la mar los oradores,
y… aquí tenéis algunos electores:
aunque parézcales a Ustedes bobo
las ovejas votaron por el lobo;
como son unos buenos corazones
por el gato votaron los ratones;
a pesar de su fama de ladinas
por la zorra votaron las gallinas;
la paloma inocente,
inocente votó por la serpiente;
las moscas, nada hurañas,
querían que reinaran las arañas;
el sapo ansía, y la rana sueña
con el feliz reinar de la cigüeña;
con un gusano topo
que a votar se encamina por el topo;
el topo no se queja,
más da su voto por la comadreja;
los peces, que sucumben por su boca,
eligieron gustosos a la foca;
el caballo y el perro, no os asombre,
votaron por el hombre,
y con dolor profundo
por no poder encaminarse al trote,
arrastrábase un asno moribundo
a dar su voto por el zopilote.
Caro lector que inconsecuencias notas,
dime: ¿no haces lo mismo cuando votas?
Poema anónimo publicado en El cronista del Valle, de Bronsville, Texas, el 26 de mayo de 1926 que conozco gracias a Carlos Bravo Regidor. La hipótesis de Antonio Saborit es que el poema fue escrito por Guillermo Aguirre y Fierro, (autor del brindis del bohemo).
La elección
Un incendio en medio del desierto y la espalda desnuda de Charlize Theron. Dos secretos: ¿qué provocó el fuego en el centro de la nada?, ¿de dónde viene el hielo de la belleza? Esas son las dos primeras escenas de Fuego, la nueva película que Guillermo Arriaga no quiere que sea suya. Él escribió el guión y la dirigió pero insiste en que esta película no tiene propietarios: es el trabajo de todos los que participaron en ella.
A pesar de que en los créditos no aparezca la leyenda “una película de…”, la pluma de Arriaga es notoria desde el principio. Sus conocidos empeños narrativos son bien visibles: historias, lugares y tiempos que se entretejen para mostrar un complejo arco de emociones. Un cine repleto de alegorías, fascinado por nuestras sombras; nublados rompecabezas que indagan el tormento de la culpa y el anhelo de redención; perturbadores parentescos de sangre. Arriaga regresa al territorio que conoce. Vuelve a decir lo que ha dicho, y lo dice de la misma manera en que ya lo ha dicho. El amor prohibido, la animalidad humana, la insufrible sobrevivencia. La cinta muestra con gran elocuencia el peso de los dolores viejos. La estructura misma de la película enfatiza la cicatriz sobre la herida. Más que la tragedia, su perseverancia. Arriaga reconoce sus tics literarios y se escuda en una fórmula de Sábato: no somos nosotros quienes elegimos nuestras obsesiones, decía Sábato. Ellas nos escogen.
La fotografía es espléndida, las actuaciones magníficas, el libreto en general funciona (aunque tropieza en un par de ocasiones) y los relatos andan a su ritmo. Este llano en llamas (así se titula la película en inglés: The Burning Plain) es una película de hechura impecable. Pero lo que se extraña en esta cinta es osadía. El cazador no tuvo el valor para rechazar la comida congelada (aunque haya sido preparada por él mismo) y salir a la aventura de la caza. El talento del escritor se tumba en sus hábitos. Por supuesto, Guillermo Arriaga insiste en trasquilar la cronología y en desintegrar los mapas. El problema es que el acertijo no engancha emocionalmente como lo consigue 21 gramos, su obra maestra. Es que ahí la ruta enigmática de las narraciones no es meramente un crucigrama intelectual, sino una brutal exploración de intimidad. En fuego se repite el desafío al espectador que es llamado a acomodar las piezas de varias historias, pero el reto se vuelve superficial en lo emotivo y bobo en lo detectivesco. Los habitantes de esta “obra de cine” no alcanzan la complejidad que los haga entrañables. Los hilos de las historias se van enlazando poco a poco y se descubre finalmente el lazo entre el fuego en el desierto y la helada sexualidad, pero las vidas no conforman volumen. Después de coser los trozos en el lienzo de lo inteligible, aparece un melodrama extraordinariamente simple. La película vale la pena por las admirables actuaciones de Charlize Theron y de Kim Basinger, pero ni su maestría actoral logra insertar vida a los personajes. Este fuego, más que un llano ardiente, es fuego plano.
*
Fuego plano
Era panzón y mal vestido, los ojos saltones, las cuevas de la nariz abriéndose enormes hacia el frente, muy gordos los labios. El fisiognomista ateniese más famoso fue llamado a dar un juicio sobre el hombre que tenía delante. Zopiro, el médico, dio rápidamente su diagnóstico: éste tenía que ser un hombre “estúpido, brutal, voluptuoso y dado a la ebriedad.” Era Sócrates, mártir del conocimiento y la virtud. La anécdota la cuenta Francisco González Crussi para advertir la torpeza de esa disciplina que pretende ligar los rasgos físicos a las cualidades morales. Caras vemos…
Escribo fisiognomía para distinguirla, como lo hace González Crussí, de la fisonomía. La vieja fisiognomía hacía más que un diagnóstico al registrar el tono de la piel y las proporciones del rostro: retrataba moralmente a la persona. En El rostro y el alma (Debate, 2014), su libro más reciente, el patólogo vuelve a las artes de la antigua fisiognomía, esa “ciencia” cuyo propósito era descubrir los secretos que esconden los asgos exteriores del hombre. La cara vista como un jeroglífico, como oráculo. Quien sepa ver, observará pasiones insinuadas en una nariz, vicios que la desmesura de los pómulos anuncian, certificados de sensatez en una mirada. Desde luego, al reconstruir esa tradición, González Crussí no pretende atar la personalidad moral a nuestros rasgos exteriores. Invita a vernos en el espejo, a ver con atención a los otros rehabilitando las viejas artes de la observación. “El rostro con que venimos al mundo, escribe, es una de tantas prendas que nos tocan en el despiadado juego de azar que es el destino.”
La belleza y la fealdad son el primer impuesto de la casualidad genética. Nadie diría que son azares irrelevantes. Toda cultura ha tendido a repartir premios y castigos de acuerdo a la apariencia. El prejuicio no escapa ni a los dioses. En la Biblia abundan los pasajes que expresan una manía contra la fealdad. La deformidad es vista como el producto de la ira divina. Y al mismo tiempo, la belleza no está libre de cargas. Breve tiranía, la llamó Sócrates.
En el origen de la fisiognomía está la imagen de nuestro doblez: somos una cáscara visible y un interior secreto. Mostramos piel y escondemos pensamiento. Habrá, sin embargo, un puente entre esos mundos: las conmociones interiores harán surcos en el exterior hasta volverse gestos, pliegues, arrugas. De ahí la idea de examinar su correspondencia y apreciar la relación entre cuerpo y alma.
González Crussí es, sin duda, uno de nuestros grandes ensayistas. Un escritor que ha podido convertir su ciencia en literatura. En su obra, escrita con tanta fluidez en inglés como en español, resplandece la figura del médico como el observador privilegiado de la vida, la figura del escritor que medita sobre las experiencias esenciales: el nacimiento, el dolor, la muerte, el deseo. Los libros del patólogo son una feliz mezcla de experiencia profesional, lectura y buena prosa. En su libro más reciente reconstruye la historia cultural del rostro. La cara como una riquísima mina de mitos, metáforas, supersticiones, manías. El historiador de la medicina sabe de ligamentos y de tejidos pero no son esos conocimientos de los que se sirve para leer las alusiones de la piel. En las páginas de González Crussí se puede brincar con naturalidad de un reporte científico a la poesía de Baudelaire y de antropología decimonónica a la mitología china.
Se insinúa una pregunta en el libro de González Crussí: si el rostro es escritura, si ofrecemos al mundo un mensaje sin palabras, si hablamos en silencio, ¿quién redacta nuestras facciones? ¿Logramos ser dueños de nuestro rostro o somos siempre esclavos de él?
La escritura de la cara
Hace treinta años Francesca Woodman se arrojó de un edificio en Nueva York para perder la vida. Entonces muy pocos sabían quién era. La policía no la reconoció porque no cargaba ninguna credencial y su rostro había quedado desfigurado. Pasaron días hasta que sus padres dieron con su cuerpo. Gracias a la ropa supieron que era su hija. Tenía 22 años y estudiaba fotografía. Apenas llegó a exponer en alguna galería universitaria y publicar un libro de escasa circulación. Hoy su trabajo es reconocido mundialmente. Varias galerías inglesas muestran sus fotos, mientras el Museo de Arte Moderno de San Francisco prepara una gran retrospectiva de su breve carrera. En Nueva York se estrenó hace poco un documental sobre la artista y su familia.
La cinta, dirigida por C. Scott Willis se equivoca, a mi juicio, al fijar la atención en el entorno familiar de Francesca y titularse The Woodmans. El documental se esfuerza por subrayar el mérito artístico de sus padres y de su hermano y de sugerir una afectuosa rivalidad entre ellos que termina con la perturbadora absorción que el padre hace del genio de su hija. Falla también porque coloca el suicidio en el centro de una obra extraordinaria, sin ofrecer, naturalmente, una clave que explique el salto al vacío. Me perdonarán los miembros de la familia y el director, pero en esta cinta se observa que el artista es uno solo. Y es enorme. Por eso la verdadera fuerza de la cinta no se encuentra en la narración del director, ni en los recuerdos de los parientes, ni siquiera en las palabras de la fotógrafa, sino en sus fotografías. Y tampoco está en la tragedia de su muerte el valor de su imaginación visual.
Podría pensarse que todas sus fotografías son autorretratos. No aparece en todas pero es la figura central de cada una de ellas. Las modelos que retrató, cuerpos, y pechos sin rostro, podrían ser ella misma. Durante ocho años Francesca Woodman fotografió cientos de autorretratos sin rostro: imágenes de sí misma como cuerpo inaprensible. Su cabeza es el lugar donde nace el pelo, no el nacimiento de una mirada. Una vida marcada por la soledad y el frío. Piernas y telas en cuartos vacíos; pieles y tapices que se desprenden, víboras ante el lienzo de una espalda, el movimiento que es materia transformada en aire. El blanco y negro que emplea en casi todas sus fotos da a cada imagen un aire decimonónico, victoriano. Resulta difícil dejar de ver las imágenes de Francesca Woodman como anticipos de su final. En todas parece que la vida se escurre, que las fronteras entre lo vivo y lo inerte se disipan, que la carne vuela y se vuelve aire. Un cuerpo elusivo. Un cuerpo que se finge sábana, que se adhiere al yeso, que burla al espejo y rompe la caja.
Cuadros como puentes a otro territorio: espejos traspasados, paredes y pieles que se descarapelan, cuerpos que se filtran entre los muros. Nada encuentra foco. En una fotografía, la ve uno contemplando su propia ausencia. La huella de su cuerpo marca un suelo de talco. Sus piernas son los únicos testigos de lo que ella fue. En otra, el cuerpo se anuda con las raíces de un árbol, a la orilla de un río. Su pelo fluye, transformado en agua. Sólo el ojo atento descubre que, tras el tronco grueso y viejo, sobre el pasto bien podado que lo rodea, se levantan discretamente unas lápidas. Ser río y raíz en cementerio.
Francesca Woodman
Todo es brisa. No viento: brisa, soplo casi imperceptible, caricia de aire. Hay brisa en su mar y en su arena, en sus floreros, en el pelo de sus mujeres y hasta en los muros que aparecen de pronto. Soplan los colores en los cuadros de Joy Laville. Rosas, lilas, mentas, azules, lilas. Los colores contenidos dialogan con la vastedad. Juego de contemplaciones: el mar observa atentamente a la palmera, la colina se arrulla con la costa, la arena y el paseante se admiran en silencio.
Revelación de lo elemental: una mujer en la playa, las flores en su vaso, un avión suspendido en el aire. No hay ciudades ni ruido; no hay artefacto más complejo que un sillón, no hay ingeniería superior a la de un florero. Sobran los zapatos y las telas. Los paisajes de Joy Laville son declaraciones de la simpleza más entrañable: cada quien ante el mundo. No hay misterio en el mar, en la silueta de las colinas, en la copa despeinada de las palmeras. Solo hay belleza. No son paisajes de un intrincado misterio porque la artista no pinta un enigma que el espectador ha de esforzarse en resolver. Sus telas no inquieren, alegran. En el precioso apunte que Jorge Ibargüengoitia hizo de su mujer habla de la ligera melancolía de sus cuadros. Algo hay, desde luego, de ese anhelo por recuperar lo que desvaneció en el tiempo, algo hay de esa dulce añoranza que compone una mitología sosegada. En cada cuadro amanece el mundo. Mañanas limpias, oceanos niños. Todos son la inocencia antes del tiempo. Su pintura, decía Ibargüengoitia capta “el mundo interior de una artista que está en buenas relaciones con la naturaleza.” La de sus cuadros es una naturaleza sin trueno, sin espina y sin colmillo. La placidez.
Sencilla, generosa, elemental, la naturaleza en sus cuadros no es exuberante, no amenaza. Nadie tiene frío, el sol no pica, el viento no tumba a nadie. Este no es un mundo que deba de ser domesticado pero tampoco, a decir verdad, un mundo para la veneración. Joy Laville nos invita a mirar a un hombre que mira el mar y a un avión a lo lejos. Mirar a alguien que mira. A eso nos invita: a mirar la mirada. A disolvernos en la mirada del arte. El hombre se inserta en el mundo solo con su cuerpo. Es tan majestuoso como un árbol, tan sereno como una piedra, tan sinuoso como una montaña. En un cuadro de 2001 titulado “Cinco personajes caminando en playa de árboles muertos” puede verse eso: los caminantes en la arena, apenas distinguibles de los troncos secos. El oleaje, las dunas de arena, el cielo y las nubes son la casa por la que pasean esos cinco personajes. El horizonte marca el territorio de lo íntimo. Por efecto de la escala y de la desnudez de los cuerpos se proyecta el mundo como una habitación de libertad. Por la gama de sus colores, la naturaleza es un abrazo. Todas las olas de ese mar tranquilo, toda la espuma que se despierta, la sábana extendida de la playa son el paraíso, el hogar imperturbable.
Todas las mujeres de Joy Laville parecen la misma. ¿Es ella? Es ella y todas las mujeres del mundo. No hay, en realidad, facciones claras o señas únicas en sus figuras porque no hay ahí asomo de retrato. Será que el retratista excluye a la humanidad para pintar solamente a un individuo. Lo que le importa a Laville es otra cosa: la silueta común que nos hermana. En esas ventanas de armonía que pintó cada mañana de su vida adulta, todos somos esa mujer, esa palmera, ese avión y ese mar. Seres contemplativos bebiendo apaciblemente la luz del mundo.
La mujer lila
Andar y ver ©2013
Jesús Silva-Herzog Márquez
HOLA ESTÁ INFORMACIÓN TE PUEDE INTERESAR.
SI ERES UNA PERSONA INTELIGENTE, CAPAZ Y TRABAJADORA, ERES HONRADO (A), QUE LLEGA TEMPRANO A SU TRABAJO Y SALES TARDE DE EL, QUE HACE COSAS MÁS ALLÁ DE LAS QUE TE CORRESPONDEN, SI TE GUSTA LO QUE HACES, PERO QUE AL MISMO TIEMPO TIENES UN JEFE O JEFA NEURÓTICO(A), QUE TE HUMILLA, GRITA, AMENAZA, TE CREA CHISMES, SE BURLAN DE TI, TE AISLAN DEL GRUPO, TE BAJA LA MORAL Y SIENTES QUE EN VEZ DE TRABAJAR VAS A LA GUERRA…
TE ACONSEJO LEAS UN POCO DE LA INFORMACIÓN, SOBRE EL TERMINO MOBBING, YA QUE NO HAY QUE DEJARSE NUNCA MÁS DE ESTAS PERSONAS QUE PERJUDICAN NUESTRAS ASPIRACIONES LABORALES Y PISOTEAN NUESTRA DIGNIDAD, HAY QUE SER MEJORES, POR FAVOR DENSE UNOS MINUTOS PARA LEER ÉSTO.
TAL VEZ LO CONSIDEREN UN POCO LARGO, PERO CREÁNME VALDRA LA PENA SABER ESO ANTES DE QUE NO HAYA MARCHA ATRÁS. GRACIAS
Hay una nueva denominación llamada MOBBING, que habla sobre la agresión picológica en el trabajo, por jefes y compañeros con personalidades perversas que pueden hacer insufribles las horas laborables.
¿Qué es el ‘mobbing’?
Acudir al trabajo puede significar para algunas personas llegar a un campo de batalla. Sufren tensiones de tal calibre que les parece que se adentran en una selva llena de peligros. En lugar de sentirse orgullosas de lo que hacen para ganarse la vida, sienten que van a librar una guerra, que siempre pierden. Y vuelven a su casa cada día más desanimadas, menos seguras de sí mismas.
Hay jefes y compañeros con personalidades perversas que pueden hacer insufribles las horas laborables. Si se tiene la mala suerte de padecer un ambiente intoxicado de rivalidad, enfrentamientos y descalificaciones, aparecen síntomas como insomnio, dolores de cabeza, de estómago y otras enfermedades que somatizan las graves dificultades por las que está pasando la persona afectada (disminución de defensas).
Siempre han existido ‘jefecillos’ odiosos, compañeros envidiosos y empleados ineptos que utilizan las relaciones laborales para solventar conflictos personales. Así, algunos llegan a crear un clima de Hostigamiento Labral = ‘psicoterror’ que acaba con la salud de los otros.
Minar la confianza
¿Puede sufrir cualquiera el ataque de un terrorista laboral? ¿Quién es la víctima más propicia del psicoterror?¿Quién es el agresor?
El acosador laboral es un perverso; la víctima, alguien que no sabe defenderse de forma adecuada. A veces es difícil responder a este tipo de personas, porque suelen utilizar maniobras complicadas de desenmascarar. El psicoterrorista rechaza la comunicación directa con la víctima del acoso y hace reproches hacia su carácter y críticas hacia su trabajo a través de intermediarios.
La desacredita por la espalda, intenta aislarla y destruir las alianzas que tenga con otros compañeros. Trata de minar su autoestima para después hacer que se sienta totalmente responsable de esa situación. La técnica que utiliza el perverso con su víctima es siempre la misma: le conduce a dudar de sí mismo a la mínima ocasión para anular sus defensas. La víctima de un acosador laboral puede llegar a estar tan confundida que acaba dándole la razón y le provoca sentimientos de gran desvalorización personal. El perverso no sólo persigue el poder, sino la utilización del otro como si fuese una marioneta. Coloca a su víctima en una situación de impotencia y después la destruye porque disfruta con ello. Las empresas utilizan, en muchas ocasiones, este modo perverso de actuar para librarse de aquéllos que les resultan incómodos. Al principio te hablan con buenas palabras pero por la espalda te dan las puñaladas, inventan cosas y obligan a la víctima a que haga cosas indebidas, usan tus problemas como una forma de manipulación, tales como piensa en tus hijos, tus rentas, tu futuro, te chantajean a tal grado que te vuelves su esclavo sin saberlo.
No es raro que busquen trabajadores independientes y con capacidad de decisión a los que, sin embargo, luego piden sumisión a un sinfín de acciones con las que no están de acuerdo, y siempre por el ‘bien de la empresa’. Sutil forma de chantaje, que muchas veces funciona por miedo a perder su puesto de trabajo o antigüedad.
El perfil psicológico de la víctima
La víctima suele tener rasgos opuestos a su acosador:
Es responsable y perfeccionista en su trabajo. Suele estar a disposición de la empresa, lo que apunta a una cierta forma de dependencia, es amable y tranquilo por Ende, ya que sus pensamientos están centrados en hacer el trabajo y su familia.
Es escrupuloso y tiene una marcada tendencia a sentirse culpable. Los acosados son personas que se sacrifican por los demás y se hacen responsables de más cosas de las que les corresponden. Su exagerada conciencia está ligada al miedo a fallar porque saben que es su trabajo y familia la que está de por medio.
· No es raro que el acosado tenga un sentimiento de inferioridad que le hace ser vulnerable ante un perverso. Posee una vitalidad que es la que vampiriza el perverso. Ataca su parte viva, dejándole sólo con la melancolía, y siempre sientiéndose mejor que la víctima y se aprovecha siempre de la necesidad de los que buscamos trabajo decente y bien hecho.
Perfil del acosador
El ‘psicoterrorista’ laboral:
El jefe o compañero de trabajo que acosa a un empleado tiene, las siguientes características personales:
Megalomanía: El acosador(a) se cree el punto de referencia del bien y del mal. A menudo, es moralizador: exhibe valores morales irreprochables (sabe actuar como si fueran unos santos), mientras descubre la maldad en los otros.
Falta de empatía: tiene una ausencia total de interés por los demás, aunque sí desea que los demás se interesen por él.
Vampirismo: el acosador laboral es también un vampiro pesimista; es envidioso e intenta apropiarse de lo que tienen los demás.
IRRESPONSABLE: atribuye a los demás sus propias dificultades y fracasos; así nunca es culpable de nada.
SOBRE TODO ESTO, TE PIDO QUE NO HAGAS LO QUE MILLONES DE PERSONAS HAN HECHO DURANTE AÑOS, SI UN JEFE TE TRATA ASÍ, NO EMPIECES A FALTAR, NO ARRUINES O MALTRATES TU LUGAR DE TRABAJO O PRODUCTOS, EVITA HABLAR A LA BUENA CON ESA PERSONA PUES NO ERES LA PRIMERA PERSONA QUE LO INTENTA, YA LO HAN HECHO MUCHOS Y HAN FALLADO, NO DIFAMES, NO CREES CHISMES, NO ROBES PERO SOBRE TODO, NO RENUNCIES Y EVITA QUE TE CORRAN Y NO PIENSEN EN VENGARSE, NO FUNCIONA.
SOBRE INFORMACIÓN ME ANTICIPO A COMENTARIOS HOSTILES A LOS QUE NO LES PARECE, COMO QUE SOY UN TRAUMADO, UN DÉBIL, UN PERDEDOR, ETC, NO IMPORTA SÉ QUE NO ES ASÍ, LO QUE SI IMPORTA ES NUESTRA DIGNIDAD, NUESTRA FAMILIA Y NUESTRO TRABAJO.
LO QUE SI DEBEMOS HACER DE INICIO ES COMENTAR A RH O A LOS DUEÑOS, SOBRE LO QUE PASA, SINO SUCEDE NADA Y TODO SIGUE IGUAL O TAL VEZ SEA PEOR, LA MEJOR OPCIÓN SIEMPRE VA A SER DEMANDAR LO MAS PRONTO POSIBLE, NO TENGAN MIEDO A LAS REPLESALÍAS, A QUE LOS CORRAN MENOS, BUSQUEN APOYO VERDADERO ENTRE COMPAÑEROS, SE QUE EL DINERO NOS LÍMITA MUCHO A HACER ESTAS COSAS PERO VALDRÁ LA PENA A FUTURO.
TENGAN EN CUENTA QUE EL JEFE ACOSADOR NO ES EL DUEÑO, NO ES ACCIONISTA, O AUNQUE DIGAN QUE ES EL CONSENTIDO DEL DUEÑO, NO IMPORTA, NO DEJA DE SER UN EMPLEADO, PORQUE SI DEJAMOS QUE ESTO SIGA SIENDO UN CIRCULO VICIOSO Y NO LO DETENEMOS, CREÁNME, SI RENUNCIAN ESTE JEFE NO LOS SEGUIRA, NO LO REGAÑARAN PORQUE TE HAYAS IDO Y MUY AL CONTRARIO TE ENTERARAS QUE LOS PREMIAN.
MIL VECES PEOR CUANDO BUSQUES TRABAJO, TE DIRAN QUE POR QUÉ TE SALÍSTE, POR QUÉ NO DURASTE MUCHO Y TENDRÁS QUE DECIR LA VERDAD O UNA MENTIRA QUE NO SABRÁS DECIR, Y NO TE DARÁN TAN FÁCIL EL TRABAJO PORQUE TE EMPEZARÁN A VER COMO INESTABLE, ASÍ QUE TODOS LOS QUE HAN RENUNCIADO POR ESTOS PROBLEMAS CON “JEFES” MALETAS Y PORQUE NO DECIRLO, COMPAÑEROS QUE TAMBIÉN LLEGAN A HACER LO MISMO Y PROVOCARAN QUE HAYA MILES EN LA CALLE BUSCANDO TRABAJO Y PROVOQUE MÁS Y MÁS DESEMPLEO. MEJOR QUE SE VAYA UNO Y NO MILES, PIENSALO DE FAVOR Y SI ERES, HAS SIDO VÍCTIMA DE ESTE SPICOTERROR, TE PIDO DE FAVOR QUE MANDES ESTE MENSAJE A LOS DEMÁS COMPAÑEROS PARA EVITAR EN EL FUTURO MÁS DE LO MISMO, Y SIN CHANTAJE LO DIGO: ES POR EL FUTURO Y BIENESTAR DE NUESTROS HIJOS -(AS).
ATTE: AMANT
Chucho:_
¿Por qué ya no publicas tus artículos de los lunes en tu blog? Yo no estoy suscrito al f’king Reforma.
A Chucho Silva o ya le da hueva hacer su blog (mensaje subliminal de esta foto), o es otra de esas vícitimas de terrorismo y acoso laboral (en el ITAM o en f’king Reforma), o se fue de voluntario a la campaña de Obama. Mejor lean al Oso Bruno, que está más mejor que nunca. (sí, “más mejor”)